Meet the projects from SOUND group #5
Meet the projects from SOUND group #4
Meet the projects from SOUND group #3
Meet the projects from SOUND group #2
Meet the projects from SOUND group #1
Monica Tønning
Joseph Rubin
Jonathan Bøge Jensen
Nina Hyldgaard Rasmussen og Mathilde Schou
David Lynge Madsen
Katrin Raasthøj Mathiesen
Hein Westgaard
Mathilde Bokfelt
Liam Larsen og Anastasiia Kyshkovska
Hannah Howard Andresen
Sara Flindt
Winnie Bugge Frandsen
Anders Bak Mejlvang
Joy Sun Häckert, Caroline Borup Jensen og Bjørk Marie Jacobi Houe Sørensen
Kofi Bondzie Ramsing
Anastasia Kristensen
)
)
)
)
)
)
)
)
)
)
)
)
)
)
)
)
KYMA Collective is a new artists’ collective dedicated to fostering community, co-creation and artistic curiosity, drawing on the classical music tradition. We develop projects and formats that bring this tradition to life and give it meaning in a contemporary context.
RUM is KYMA Collective’s cross-artistic autumn tour 2026, a sensory concert experience where classical chamber music meets dance, poetry, costumes and visual elements in a unified dramaturgical whole. With chamber music at its heart, the project explores how sound, body and space can merge and illuminate the works from multiple angles. RUM has been created with the aim of making the classical concert more accessible and relevant to a younger audience. Through a visual and physical approach, new listeners are invited into the music without prior knowledge and without compromising on quality. The format breaks with familiar concert conventions and creates an intimate space for immersion, reflection and shared experience.
Presently, music is primarily consumed in a fast-paced and fragmented manner. This project explores what happens when music gets the same attention as visual art or film.
The project is a curated listening format in which music is presented as an independent work of art. In an aesthetic setting and with high-quality sound, the audience gathers for focused sessions where an album, an artist or a period is explored through context, storytelling and shared immersion.
Solani is not a concert or background noise. It is deep listening.
Each session is staged with an awareness of space, sound, atmosphere and presentation. The audience is invited to experience the music in its entirety — as a work with historical, cultural and emotional depth.
The ambition is to restore respect for the profound listening experience and create a space where music can be experienced as an artform that deserves time and attention.
Cold Country is a two-day emerging artists’ festival in Nr. Vorupør, a small town on the far west coast of Thys. The festival showcases new acts specialising in folk, country and Americana. These might be indie-influenced, country-sounding bands, or quiet singer-songwriter concerts offering space for contemplation and reflection – and much more besides. It's about creating a space for up-and-coming musicians who, in one way or another, are connected to the genre. We want to broaden the audience’s understanding of this type of music and expand their horizons, whilst creating a stepping stone for the next generation.
The music genres of country, folk and Americana have seen a rise in popularity among both audiences and performing musicians in recent years. In the wake of this development, Cold Country emerged as a place where one could discover new Danish and Nordic artists within these genres. The festival’s inaugural year was 2024, and 2026 will thus mark its third consecutive year. A recurring theme has been to invite up-and-coming Norwegian bands to the festival, and it is our clear aim to forge closer ties between Norway and Denmark, so that musicians and audiences in both countries can experience a greater sense of community and tap into a wider market.
Crash Club is an inclusive music community for girls and gender minorities, aimed at giving its members access to music-making and safe communities.
Crash Club was established to promote diversity and create greater gender balance in the music scene by offering a space where different energies, identities and forms of expression are welcome, and where traditional hierarchies and expectations in music education are challenged.
The project works towards this vision by creating safe, inclusive and playful music communities through workshops, band courses and creative learning activities. We work with collective songwriting, improvisation and experimentation, where the focus is on daring to try, turning up the volume and letting the process be the focal point.
Crash Club also develops teaching materials in the form of zines containing exercises, instructions and inspiration aimed specifically at the participants themselves. The material serves both as a creative tool and as a way of documenting the project and sharing experiences.
SUPER D’S ABC is a music and educational project for children that combines playful language, rhythmic music and the letters of the alphabet within a unified artistic universe. The project is based on original songs, in which each letter is given its own character and story – from imaginative animals and inventors to everyday heroes and quirky characters.
SUPER D’S ABC aims to stimulate children’s linguistic curiosity and auditory awareness through rhymes, chants and musical variety. At concerts and through music and book releases, children are invited to sing along, play with words and discover the possibilities of language. The project bridges the gap between art and learning, leaving room for imagination, humour and reflection.
The aim is to create a relevant and contemporary alphabet universe that can be used in nurseries, schools and homes, and which inspires children to create, write and sing themselves. The vision is to contribute to children’s culture with powerful, original music that brings letters to life – and which can foster a love for reading, creativity and shared experiences.
ImproLab is an artistic development project that explores improvisation as a tool for strengthening the individual’s artistic voice. The project stems from a classical music perspective and my background as a clarinettist trained at the Royal Danish Academy of Music, but is intended as an open platform for musicians across all genres. The ambition is to build bridges between musical traditions and explore what might emerge from the encounter between different artistic languages.
ImproLab establishes a safe and non-judgemental space where improvisation functions as both a method and a mindset. Through workshops, open laboratories and opportunities for ensemble formation, we work with listening, presence, courage and collective creation. The programme is process-oriented and focuses on development rather than a finished product.
The aim is to challenge habitual thinking, strengthen artistic identity and create new ways of working – both within classical music and in collaboration with other genres.
STRÆNG is a multicultural, community-building organisation which is initially producing a concert series centred on the guitar and stringed instruments, with a vision of scaling up the project into a festival in the long term. STRÆNG provides a platform for lesser-known string instruments, with a particular focus on non-Western ones. A key objective is to promote local instrumentalists from ethnic minority communities in Copenhagen, whose skills and artistry are often overlooked in the wider music scene or confined to ‘world music’ venues.
I also wish to create opportunities for new collaborations between different musical cultures and stylistic expressions. At the same time, I will work with a careful cross-cultural curation that preserves the artistic autonomy of the participating musicians, who come from many different backgrounds.
Whilst the path to performing on stage has become more accessible, entry into sound and lighting technology remains characterised by significant barriers.
Fremtidens Teknikere addresses this issue by providing a safe and practical introduction to technical roles in the music industry. The project offers two 14-week courses, where young people gain practical experience with professional equipment and workflows through hands-on teaching, venue visits and industry days. With a focus on community, responsibility and well-being, we give young people the confidence, skills and network to enter the industry and contribute to a more open and sustainable live music culture.
Duo Kraynebo is, to a large extent, an attempt to broaden the boundaries of what can be expressed through classical music. Anastasiia and Liam came together based on a shared recognition that the classical music tradition often favours perspectives linked to empires, whilst works and composers that convey the experiences of colonised people are often underrepresented. This can lead to a lack of nuance in what is given space to be expressed within classical music.
To counter this, the flute-bandura duo specialises in modern and contemporary music that addresses post-colonialism – often in a Ukrainian context – and since their formation in late 2022, they have performed in Ukraine, Denmark and Latvia. In collaboration with living composers, the duo has premiered a wide range of new works, written specifically for the ensemble.
One of the challenges the duo has faced is how to convey the lived experiences of post-colonialism to a Western audience, whilst keeping the art at the centre. This is the focal point of their participation in SOUND Incubator, where they are working on developing their social media and communication strategy, as well as their next major concert project, Night Music, which uses music to tell the story of their experiences of drone attacks in Ukraine.
For many years, research into orchestral conducting and gender has been an under-represented field in academia and artistic research – but change is on the horizon.
The ‘Fremtidens Dirigent’ seminar series, supported by Talent Norway and Sparebankstiftelsen, brings together researchers, conductors and industry professionals from the classical music sector to explore gender perspectives in orchestral conducting, share knowledge and build valuable networks.
The seminars pay particular tribute to minority groups within conducting and demonstrate how the role of the conductor can be shaped in a diverse and inclusive manner. Participants will also gain insight, inspiration and practical tools to approach leadership and musical practice in new ways, enabling them to actively help shape the future of classical music.
'Slip sproget fri' is available in both live and digital formats and is a methodological and conceptual exploration of how text and lyrics can be brought to life. The project examines perception and hierarchies within language and engages with the fluid, unpredictable and imperfect aspects of songwriting.
The project stems from a personal longing for greater artistic freedom, as well as from my own experiences with dyslexia and a desire to create spaces where language is not to be mastered, but felt. As part of the project, I am developing a practice-based workshop where participants are given the opportunity to freely explore their voices and deconstruct language as we know it.
The Earlymusic Project was established with the aim of presenting early music from various eras with joy, enthusiasm and musical flair. Leading national and international artists are invited to take part, and the project is initiated and run by flutist Winnie Bugge Frandsen.
‘The Voice of the Flute Through the Ages’ is a new chamber music series that focuses on the absolute cornerstones of flute repertoire. The audience is invited to experience the works in their authentic sound – performed on period instruments, using historical performance practices and with highly specialised musicians at the centre.
The Music Laboratory is a new music education organisation dedicated to giving children and young people access to music-making in a professional and inspiring environment. The project develops and runs intensive courses for school classes, in which pupils work together to create their own song, from the initial idea and lyrics right through to the finished recording.
The project stems from a clear need in primary and lower secondary schools, where music education is under pressure in many places due to a lack of teaching rooms, equipment and trained music teachers. At the same time, both new curricula and research indicate that creative and artistic work is of great importance for pupils’ well-being, sense of community and motivation. The Music Laboratory positions itself as a flexible and academically robust supplement to schools’ existing music teaching.
The physical space plays a central role in the project: when pupils work in an environment that conveys seriousness and artistic quality, their engagement, sense of ownership and courage to express themselves are strengthened. The teaching is project-based and inclusive, drawing on the pupils’ own ideas and experiences, regardless of their musical ability.
The Music Laboratory was founded and is run by Anders Bak Mejlvang, who holds a Master’s degree in Musicology and a Master’s in Music Education Development (RMC), and who has many years of experience as a music teacher in elementary school.
The project is based on a desire to rethink how music education can be organised and delivered so that it better suits both today’s pupils and the structural realities of schools. The ambition is to develop a scalable teaching concept that can eventually be rolled out to more local authorities and groups of children, as well as form the basis for new formats within music education, talent development and cultural enrichment.
Based in Copenhagen and founded by joY, bjoerk_ontheweb and Aotus, SYNTHETICA, a women-led electronic collective, works to create emotional soundscapes where vulnerability, intuition and diversity can coexist. SYNTHETICA places “Emotional authority” at the centre, with the aim of expanding the experience of electronic music through an open invitation to take part in inner landscapes, rituals and immersive experiences, where presence is more important than performance and perfection.
We believe that success in creative fields is created collectively and defined by shared creativity, receptiveness and open curiosity. We embrace contradictions, stylistic dissonance, emotional variation and fluid identities. We are who we are in the process of becoming.
SYNTHETICA builds community through workshops, events, collaborations and concerts. Based on mutual care and collective visibility, we lift each other up. Together, SYNTHETICA develops new ways of being independent artists and minorities, and seeks to create a more open music industry based on sustainable, artist-driven structures.
Sonicfest is an independent, artist-driven event that aims to provide a platform for new voices on the electronic and alternative music scene. The idea is to build a community centred around sound, aesthetics and underground culture. It serves as a platform and a meeting place for artists and audiences seeking something raw, honest and forward-thinking.
Sonicfest provides a space for new and experimental artists who find themselves somewhere between the underground and the mainstream. Here, DJs, live acts, visual artists and creative souls can meet, exchange ideas, and develop their artistic expression in front of a curious audience. At the same time, Sonicfest helps to strengthen the sense of community within the electronic and alternative music scene and demonstrates how artist-driven initiatives can create new opportunities and make cultural life more vibrant and diverse.
Behind the project is Kofi Ramsing, an artist and DJ based in Copenhagen. With roots in the city’s club and live music scene, he moves between artistic work and curation. He is closely connected to the music scene through venues and festivals, driven by a desire to discover new talent and create spaces where he, artists and the audience can come together in a meaningful way.
Musiklubben+ is a platform that provides a space for carefully curated live performances and listening sessions of electronic music, as well as for discussion and reflection afterwards. It aims to reflect current themes in society and the wider world by exploring various facets of electronic music and its legacy, whilst giving a voice to different figures from the industry and the wider community. Musikklubben offers excellent facilities and a high-quality sound system and lighting setup, allowing you to experience music through multiple senses and prompting further reflection. It draws inspiration from the good old Red Bull Music Academy ethos, though naturally the curation is tailored to local talents and interests.
Julie Boda
Thomas Elto
Andreas Ringblom
Johan August
Agnes Schmidt og Margrethe Møller
Jonathan Savi
Kasper Boll, Christian Troelsfeldt og Lewis Wallace
Alvilda Reiter Jakobsen
Boris Hiort og Caroline Storm
Andreas Brink Pedersen
Sofie Søe og Cecilie Penney
Maria Theresa Leth Clante
Christoffer Østergaard, Johanne Bønløkke Høgfeldt og Mads Valdemar
Sofus Preisel
Stine Hansen og Sofia Cerqueira
Anders Malta
Ida Niegaard
Kirsten Voss
Beatriz Gijón
Troels Abrahamsen
Jeff Zake Haltrup Wagner
Lærke Emilie Bach
Albert von Bülow
Joachim Illigen og Mikkel Mourier
Simone Roland Krieger
August Busch
Julie Norén Solevad
Agnes Saaby Thomsen, Athanasia Kotronia, Freja Julie Rasch Eskildsen og Léa Sol
Monica Vejgaard
Sarah Østergaard Frosh
Emil Knutz
Peter Lössl & Jesper Olsen
Joshua Hull & Anna Lidell
Anna Sofie Eike
Sofie Kallan
Frederik La Cour & Thomas Andreasen
Adine Fliid
Andrea Sode Dam & Tilde Margrethe Overbeck Christensen
Thomas Palmkvist Sørensen
Tir Wåhlin Treufeldt
Johan Suurballe Wieth & Thomas Mulcahy
Sara Tholander
Alissa Dunsmore & Lewis Parker
(she/her)
(he/him)
Hillary Seshie
(she/her)
(she/her)
Mathilde Bjerring Eriksen
(she/her)
(he/him)
(she/her)
Søren Michelsen
Mindaugas Dambrauskas
Helena Desirée Gantzel Gungaard
)
)
)
)
)
)
)
)
)
)
)
)
)
)
 "kran 2")
 "guestingtheorchestra")
 "IDA 2")
 "kirsten 2")
 "GIF 2")
 "troels 2")
 "jeff 2")
 "lærke 2")
)
)
)
)
)
)
)
)
)
)
)
)
)
)
)
)
)
)
)
)
)
)
)
)
)
)
)
)
)
)
)
)
)
Kunst på Barsel giver nybagte forældre adgang til kunstneriske oplevelser i en livsfase, hvor mange ellers ufrivilligt udelukkes fra kulturlivet. Koncerterne skabes i rammer som rummer de små – uden at gå på kompromis med den kunstneriske kvalitet.
Projektet bygger på en grundlæggende vision: at familieliv og kunstliv kan gå hånd i hånd. Vi arbejder for, at kunst og kultur ikke skal være forbeholdt dem uden små børn, men være en ressource og et fælles rum, hvor forældre styrker mental sundhed, fællesskab og kreativt overskud i en sårbar periode. Samtidig sætter vi fokus på de strukturelle udfordringer i musikbranchen, da mange kunstnere oplever, at forældreskab og kunstnerisk virke ikke hænger sammen. Med Kunst på Barsel skaber vi arbejdsmuligheder for artister, der selv er forældre, og bidrager til en mere bæredygtig og inkluderende kunstscene.
Projektet er både et kulturelt tilbud, en social indsats og med en politisk vision om at skabe ligestilling, mental trivsel og mere bæredygtige vilkår i musikbranchen.
Ædru Festival skal skabe koncertoplevelser uden alkohol og stoffer. Det er en vision om et nyt, bæredygtigt musikkulturliv i Danmark, hvor musikken, fællesskabet og nærværet står i centrum. Festivalen udfordrer den store indflydelse, alkoholindustrien har på dansk musik- og festivalkultur.
I stedet vil Ædru Festival skabe et sted hvor vi forholder os til virkeligheden, hvor publikum kan mærke musikken, hinanden og sig selv uden filter. Her skal musikere og gæster mødes i øjenhøjde og opleve, hvordan musik kan samle mennesker på nye måder.
Ædru Festival er et eksperiment: Hvordan føles det, når vi virkelig er sammen?
RenderHeart Entertainment er et futuristisk pladeselskab, hvor musik, animation og storytelling smelter sammen. I samarbejde med animatorer skaber vi animerede popartister med ægte følelser, globalt appellerende musik og K-pop-inspirerede markedsstrategier, der engagerer fans både digitalt og fysisk, fra streaming til boxsets og merchandise.
Bag projektet står Andreas Ringblom, multiplatin-sangskriver og producer med snart et årtis erfaring og kontakter i K-pop-industrien. Med en lang track record af nr. 1-hits i Asien, mere end 4 millioner solgte fysiske albums og over 3 milliarder streams, bringer han en dyb forståelse for både musikken, markedet og fankulturen.
RenderHeart har desuden et erklæret mål om at udfordre og forbedre standarderne i den danske musikbranche ved at sikre mere retfærdige vilkår for sangskrivere, herunder at indføre sangskriver-fees og royalty-procenter, som den nye industristandard.
Urban Crawler er en offentlig udendørs lydinstallation, der har til formål at give en stemme til de insekter, som Danmark de sidste 30 år har mistet.
I samarbejde med Tænketanken Frej undersøger projektet tilstanden af den danske biodiversitet og menneskets støjforurening. I en nutid, hvor naturen mangler både fysisk og sonisk plads, projekterer projektet en verden, hvor byens larm, fuglenes sang og insekternes kald kan sameksistere.
Installationen opstiller et hypotetisk rum, hvor insekterne optimeres til at trives i det urbane miljø – et miljø, hvor larmen i dag gør det svært for dyrene at finde hinanden.
Ekkosystem er en forening for udbredelsen af økologisk bevidsthed, regenerativ praksis og politiske utopier gennem musik. Foreningen blev etableret i foråret 2025 af en sammenslutning af musikere, der alle ønsker at forbedre betingelserne for musik, der på forskellig vis bearbejder de økologiske kriser.
Artisterne Agnes Ea og Magma Rea fra foreningen Ekkosystem skriver begge sange, der personligt, poetisk og aktivistisk behandler følelser og stemninger i opbrudstider.
Visionen er at skabe en app, der giver gravide og fødende adgang til musik og lyd, som kan støtte krop og sind både i forberedelsen og under selve fødslen. Appen skal skabe et lydligt anker og en atmosfære af ro og balance i en situation præget af intensitet og følsomhed.
Kompositionerne kan bruges som en del af fødselsforberedelsen, hvor kroppen lærer lydene at kende og knytter dem til vejrtrækning og afspænding. Under fødslen kan de genkendelige lydlige forløb fungere som støtte for nervesystemet, give en følelse af kontrol og hjælpe den fødende til at finde tilbage til en rytme midt i det uforudsigelige.
Målet er at skabe et fleksibelt og tilgængeligt værktøj, der kan være en hjælp for mange uanset økonomisk baggrund. Projektet samler kunstnerisk komposition, forskning og praksis i et bud på, hvordan lyd kan være med til at danne rammerne for en mere tryg og styrkende fødselsoplevelse.
Natmaskinen er et legende lydlaboratorium, der skaber og formidler fortællinger, musik og kulturprodukter til børn i alle aldre. Vores mission er at nytænke auditiv fortællekunst og samtidig videreføre folkelige traditioner.
Universet vil kunne opleves som dedikeret app og lydbogsbibliotek på abonnement, hvor familier får adgang til vores evigt voksende samling af originale fortællinger og magiske oplevelser. Her fungerer Natmaskinen som et slags digitalt forlag og platform for fremtidens, fortidens og samtidens børnebogsforfattere, fortællere og formidlere. Med en didaktisk legende tilgang til både formater og indhold ønsker vi at skabe kreative og økonomiske rammer, der tilgodeser de bidragende kunstnere og skaber synergier i tilblivelsen af deres færdige kulturprodukter. Natmaskinen kan også opleves i levende live. Som fysisk platform med teater, musik og underholdning sætter vi scenen med vores trup på festivaler, loppemarkeder, institutioner, legepladser m.m.
Som musiker ligger det mig på sinde, hvordan den teknologiske udvikling former vores liv og opmærksomhed. Udviklingens hastighed og centraliseringen af magt hos enkelte Tech giganter kan føles som en uundgåelig skæbne; vi kan beklage os over den, men i sidste ende må vi overgive os. Jeg vil jeg gerne bidrage til en modfortælling og udvide mulighedsrummet for mere bevidste valg. I samarbejde med andre fagligheder vil jeg gerne skabe rum, både i form af og omkring musik, der ikke er anti, men stiller sig kritisk overfor teknologi.
Med udgangspunkt i research om folkeminder, historiske musiktraditioner og om nutidens teknologi-kritiske felt, vil jeg eksperimentere med rammerne for sociale arrangementer omkring musik, samt rammerne for at skrive, udøve og udgive musik. Resultatet, i form af et etableret event-format og et værk, har til formål at videreføre erfaring fra processen, gøre tilgangen til teknologiske alternativer lettere, og være et rum, der står klar til at favne dem der, ligesom jeg, føler sig klar til at gå andre veje end den givne.
Vi tror på at musikbranchen bør være proaktive og åbne omkring mentalt helbred og skal sætte selvudvikling i højsædet for at fremme fysisk og psykisk velbefindende, så der skabes bedst mulig grundlag for dygtige sunde kunstnere, mere divers kunst og holdbare karrierer.
I dear creatives er der indgået fordelagtige samarbejdsaftaler med psykologer, kropsterapeuter og coaches, som de tilknyttede artister går i forløb hos uden selv at skulle have penge op ad lommen. Det er et opråb til en kreativ branche om at følge med tiden og huske mennesket bag produktet ved at have en mere holistisk tilgang til sine artister, så vi undgår flere udbrændte artister, der føler sig tvunget til at gå på kompromis og lade sig udnytte i håbet om at komme gennem nåleøjet til kommerciel succes.
Dear creatives ønsker at bidrage til mere divers repræsentation ved at skabe bedre mulighed for dem, der er udsatte i kraft af minoritetsstress, neurodiversitet eller noget tredje.
Grief is Normal er et kunstnerisk projekt, der skaber rum for sorg som en grundlæggende og normal del af livet. I dag ser vi en tendens til, at sorg enten sygeliggøres – som med diagnosen forlænget sorglidelse, hvor mennesker, der ikke hurtigt genvinder produktivitet, gøres til patienter – eller teknologiseres, når AI bruges til at genskabe afdøde og tilbyde kunstigt nærvær. Begge fænomener peger på en kulturel berøringsangst over for de svære følelser og et ønske om at kontrollere dem. Grief is Normal er en reaktion på denne udvikling.
Projektet insisterer på at skabe trygge oaser, hvor sorg kan udforskes kollektivt gennem lyd, materialitet og samskabelse – uden krav om heling eller effektivitet. Kernen i projektet er to sammenvævede formater: workshops, hvor deltagerne bearbejder genanvendte metalobjekter, hvis klang ændres i takt med arbejdet som en metafor for sorgens bevægelse, og koncerter, hvor disse instrumenter bliver afsæt for nye lydværker.
SØNTH er et fællesskab for femme, queer og transkønnede artister, der arbejder med elektronisk musik. Projektet udspringer af behovet for større repræsentation og ligestilling på en musikscene, som historisk set har været domineret af mænd.
SØNTH har et ønske om at skabe tryggere rum, hvor artister kan mødes, udveksle erfaringer og udvikle sig som musikere, producere og sangskrivere – uden konkurrence, men med fokus på, hvad vi kan lære hinanden. Gennem samarbejder og netværksopbyggelse støtter SØNTH artister i deres kunstneriske virke, med en vision om et arbejdsliv præget af flere fællesskaber.
Målet er at styrke diversiteten på den elektroniske musikscene samt at skabe nye normer for kreativitet og brug af teknologi i et fællesskab, hvor alle har ret til at udtrykke sig frit og trygt, med et håb om, at det vil sprede ringe til resten af musikbranchen.
Lydværket "Forbindelser" er et naturbaseret lydvandringsværk, der inviterer elever ud af klasselokalet og ind i naturens usynlige forbindelser: røddernes kommunikation, træernes indre liv og naturens hemmelige sprog.
Gennem lytning, fantasi og fordybelse styrker "Forbindelser" børns naturforbindelse og modvirker klimaangst - som en del af Go Zebras mission om at skabe en generation af fremtidsoptimister.
Børnene inviteres efter lydvandringen til at deltage aktivt og skabe deres eget lydarkiv for naturen omkring dem. De skal indgå i værket på den måde, at de indsender lyde fra den dag, de var til stede i naturen. På den måde skabes der et lydarkiv for naturen og der arbejdes på at indfange træernes og naturens hemmelige liv. Med det formål at fremme børnenes forestillingsevne.
EFTER 1,5 er et fiktivt lydfortællingsunivers, der beskæftiger sig med et kritisk spørgsmål: Hvordan ser verden og hverdagen ud, når vi misser Paris-aftalens mål om at begrænse temperaturstigningerne til 1,5 grader?
I en række dialoger mellem et større persongalleri dykker vi ned i de emner, som opstår på den anden side. Hvad sker der, når konsekvenserne af de økologiske kriser tager fat? Men måske vigtigst er de nære historier: Hvordan konfronteres vi med netop de konsekvenser i hverdagen?
Det er de spørgsmål, vi søger at udforske i vores lydfortællinger som en del af en kollektiv historiefortællingsplatform. Alle kan byde ind med dialoger, således at det bliver en form for kollektiv processering af de følelser og reaktioner, der allerede opstår i dag, og som vi kan forvente mere af i morgen. Vi er allerede så småt begyndt en worldbuilding-proces, der bliver åben og ligeværdig, og målet er at hjælpe hinanden med at udvikle lydfortællinger, som kan sætte spot på de økologiske kriser.
Sofus Preisel er komponist og lydkunstner, der arbejder i krydsfeltet mellem politik, aktivisme og lyd. Hans arbejde kredser ofte om spørgsmål som: "Hvad vil det sige at have en holdning?”, ”Hvordan skærmer vi os selv fra andres lidelser?” og ”Hvordan kan vi snakke sammen alligevel?”.
Ud fra et ønske om at skabe rum for nye udtryksformer og muligheder for samskabelse, kuraterer KRAN kunstneriske eksperimenter og nye konstellationer på tværs af kunstneriske discipliner og positioner.
Målet er at vise nye veje og afveje ind i kreative skabelsesprocesser og kunstneriske udtryk for både kunstnere og publikum – at opdage, hvad man kan skabe sammen. KRAN tilbyder udfoldelsesfrihed og plads til eksperimenter ved at bidrage med ressourcer, samarbejdsaftaler og kreativ sparring.
KRAN arbejder på et bagtæppe af social indignation og modløshed, et behov for håb og forandring. Ved at give plads til nye stemmer, nye perspektiver og nye fællesskaber, er ambitionen at åbne verden en lille smule mere op. Som en del af KRAN er det tilladt at rase, råbe, sørge, tro og yde modstand. KRAN er et ønske om flerstemmighed, om at løfte hinanden op.
Guesting the Orchestra er et tværæstetisk koncertformat for symfoniorkester og gæst. Konceptet går ud på at en kunstner, forsker, kunstnergruppe, el. lignende, gæster symfoniorkestret, og i samarbejde med en komponist skaber en koncert for symfoniorkester og gæst med udgangspunkt i dennes praksis. Det kunne for eksempel være en forfatter der bruger orkestret som virkemiddel i en oplæsning, en dansetrup der bruger orkestret som lydside til en danseforestilling, en forsker der bruger orkestret som virkemiddel i formidling, en jazzkvartet der spiller originale kompositioner arrangeret for symfoniorkester, eller en billedkunstner der i samarbejde med en komponist skaber fortolkninger af dennes værker.
Guesting the Orchestra gør en indsats for at udvikle klassisk musik, kunstmusik og ny kompositionsmusik (kært barn har mange navne) Hvis den skal være relevant på lige fod med litteratur, billedkunst bliver den nødt til at forholde sig mere til sin samtid. Og jeg mener at samtiden inden for kunst er en stor “remixkultur”. Jeg tror derfor at det er en stor styrke hvis man bruger orkestret og koncertsalen til at remixe andre kunstarter og skabe nye værker der relaterer sig til nogen og noget. Projektet vil udfordre og udvikle publikum på tværs af kunstform og genre og gøre dem mere interesseret i orkestermusik af alle slagser.
Radikal Mildhed er en kunstnerisk og ledelsesmæssig undersøgelse af mildheden som kvalitet og forandringsskabende kraft. Initiativet taler ind i emner som menneskelig bæredygtighed ved at understøtte forbindelse, fælles-skab og sanselighed, med holistiske og procesbevidste tilgange. Radikal Mildhed har sit udspring fra kunstneriske sammenhænge, men forgrener sig også ind i andre områder. På nuværende tidspunkt arbejder Radikal Mildhed med vidensskabelse, uddannelsesforløb og 1:1, samt med procesdesigns og med-ledelse af projekter og processer.
Kirsten Voss er vokalist over et bredt spektrum og selvproducerende kunstner. Igennem SOUND Incubator, arbejder hun med at etablere sin platform og udvikle organisationsformen i en kunstner-drevet virksomhed.Med sit fundament i den klassiske genre, skaber hun eksperimenterende koncert- og musikdramatikformater, som beskæftiger sig med at iscenesætte og nytænke arv, både musikalsk såvel som traditionsbunden.
Hendes arbejde med ny musik og eksperimentation er således aldrig en afvisning eller et opgør med den klassiske genre eller generationernes konservatisme, men et kærligt, aktivt favntag med konventionerne.
Granada ImproFest "GIF" er en festival, der fokuserer på fri improvisation og tværfaglig kunst, og tilbyder et unikt rum for kollektiv skabelse, kulturel udveksling og professionel udvikling. Festivalen, som har været internt mellem Danmark og Spanien siden 2023, har et program på fire dage, der inkluderer performances, koncerter, workshops, talks, tværfaglige jams og pædagogiske aktiviteter. Desuden fremhæves dens intensive kunstneriske residens, hvor de deltagende kunstnere vil samarbejde under vejledning af eksperter, som kulminerer i en kollektiv performance ved afslutningen af begivenheden.
Flod gør en forskel for musikskabere, musikkuratorer og musiklyttere som ønsker sig mere fællesskabte og retfærdige alternativer til de platforme der eksisterer for musik i dag. Jeg forsøger at forbinde lytteren til det musik de bliver præsenteret for gennem radioen ved at skabe kontekst rundt om det. Det være sig gennem metadata der kan lede brugeren videre eller ved at lade labels og kollektiver være medskabere på sendefladen.
Intuitiv musik for børn er et ongoing projekt med en holistisk tilgang til musikundervisning, hvor kreativitet og sjov er i fokus.
Børn har en intuition og kreativitet, der skal styrkes og anvendes. Med en intuitiv tilgang, er det den personlige fælles oplevelse med musik og kreativitet der er vigtig. Med projektet håbes at kunne udvinde mange kreative kræfter, hvor faglighed er i fokus, men hvor analyse er sekundært. Intuitiv tilgang til musik kan give nærvær og udtryk til børn, som kan være en antidote til et digitaliseret liv, tidligere generationer ikke har haft. Projektet håbes at munde ud i et hæfte og en app til undervisnings materiale og inspiration for forældre.
I HEARTCASE guider Lærke kunstnere til at finde/genfinde en overordnet og klar vision i deres arbejdsliv, samt hjælper dem med at formidle denne vision gennem en tydelig visuel identitet.
Med en kombination af 10 års erfaring som udøvende soloartist og 6 års erfaring som fotograf og content creator, skaber Lærke individuelle forløb, bygget på coaching og konkret arbejde med udvikling af deres brand.
I et HEARTCASE-forløb vil kunstneren blive bevidst om sin motivation, bekendt med sit produkt og i stand til at kommunikere deres værdi – både til publikum og til branchefolk, der potentielt skal arbejde med og investere i dem.
Med en nysgerrighed efter at udforske alternative formater og kreative processer ønsker Ripples at skabe et hjem for nye projekter, hvor kunstnerisk frihed, eksperimentation og fritflydende kreativitet står i centrum. Gennem særprægede udgivelser, live-orienterede formater og nyudklækkede kunstneriske samarbejder vil Ripples lade ringene i vandet inspirere til nye musikalske forbindelser og nye tankestrømme om, hvordan musik kan skabes, deles og formidles til omverdenen.
Inspireret af tanken om "ringe i vandet" er Ripples langsomt ved at tage form som en uafhængig platform, hvor projekter kan udfolde sig og skabe grobund for nye kreative bevægelser og fællesskaber. Derudover arbejder projektet ud fra et stærkt værdisæt båret af transparens og klarhed med et ønske om at udforske alternative samarbejdsformer og bidrage til at skabe nye bæredygtige strukturer i pladebranchen.
L8 Events er et ambitiøst eventbureau med fokus på at skabe uforglemmelige aftener med koncerter fra talentfulde artister og energiske DJ-sets.
Med ambitioner om at skabe en platform for nye artister på den danske musikscene og et stor fokus på diversiteten i hiphop-genren, arbejder vi mod at bygge et publikum af hiphop-elskere som inkluderer både fans af den bredere hiphop-lyd og det mere niche underground-rap.
Vi brænder for at skabe og arbejde sammen med kulturskabere, ildsjæle, musikelskere og alt der imellem, alt i mens vi dygtiggører vores håndværk og forstørrer vores platform med et fokus på at drive en bæredygtig forretning hvor kvalitet, autenticitet og fællesskab er pejlemærket.
ØVSA Live er et alternativ til det generelle natteliv på de københavnske klubber, hvor musikken er hurtig, dansegulvene er overfyldte og musikken nærmest er baggrundsstøj. Vi oplever et kæmpe behov for en kurateret, kvalitetsoplevelse, der fordrer fællesskab og nærvær - så det er præcis det, vi skaber.
ØVSA Live som koncept er en fusion af de mest givende elementer fra barer, natklubber og live koncerter.
Det er intimt, med uovertruffen lyd kvalitet, fokuseret på elektroniske live acts, skaber trygge rammer for publikum og afvikles i de tidlige timer, så man kan gå i byen og have en god aften, danse til elektronisk musik - uden at skulle være oppe hele natten.
Derudover, bygger projektet bro mellem nationale og internationale artister inden for elektronisk down- midtempo musik.
Samling er en musikproces- og idéudvekslingsgruppe, der skaber trygge rammer og nye forbindelser og fællesskaber i musikmiljøet.
Formålet med gruppen er at afholde workshops og facilitere et rum, hvor de deltagende kan dele deres musikalske værker og processer, hvortil der bliver givet konstruktiv feedback. Her får vi muligheden for at sparre med andre om alt fra den skabende proces til det endelige resultat og udgivelsen af værkerne. Da alle går til musik forskelligt, har vi erfaret, at gruppens tilstedeværelse og engagement i hinandens projekter kan give det sidste skub i forbindelse med at få realiseret sine projekter. Samling har et kollektivistisk udgangspunkt, og dermed er den sociale del af projektet vigtigst. Altså taler vi lige så meget om vores individuelle musikpraksis som vi gør kulturelle og sociale tematikker à la "at klare den i musik-branchen" og "dysfunktionelle strukturer i en kapitalistisk, konkurrencepræget industri"
Encounters Kammermusikserie er en nydannet koncertrække for klassisk musik, arrangeret og skabt på initiativ af hornisten Julie Norén Solevad.
Visionen med Encounters Kammermusikserie er at skabe en nytænkende og inkluderende platform for klassisk musik, der forener høj kunstnerisk kvalitet, kulturel forankring og det lokale fællesskab. Programmet for koncerterne er sammensat af anerkendte, prisvindende solister og kammermusikensembler, alle fra den danske musikscene, sat i rammerne af unikke lokationer rundt i byrummet. Encounters efterstræber at gøre brug af byens allerede eksisterende centrale sociale og kulturelle samlingssteder. I en blanding mellem moderne og klassisk opstillede koncerter, er det målsætningen at anvende byrummets muligheder for et nyskabt initiativ med fællesskabsdyrkning, mødet mellem lokale aktører, og mennesker i musikken som omdrejningspunkt.
consonance udspringer af et ønske om at demokratisere skabelsesprocessen og producere værker med afsæt i tværfaglig fællesskabelse. Vi laver værker, hvor musikken skabes af instrumenter, bevægelse og kostumer, og hvor alle elementer hænger uløseligt sammen. På den måde søger vi at skubbe til grænserne mellem kunstgenre og modernisere klassisk musik.
consonance er et tværdisciplinært kunstnerkollektiv, der arbejder med klassisk musik, komposition, kostumer og koreografi. Vores kernegruppe består af Agnes Saaby Thomsen (designer), Athanasia Kotronia (komponist), Freja Julie Rasch Eskildsen (violinist) og Léa Sol (cellist).
Verden står overfor omfattende udfordringer. Det kan føles håbløst, men samtidig er det mere end tydeligt, at forandring er nødvendig. Hvad vi mangler er rum, hvor vi kan forestille os nye måder at leve, arbejde og eksistere på. Unfolded Futures er et forsøg på at skabe de rum. Ved at kombinere kunst og fremtidstænkning er der potentiale for at skabe rum med plads til fordybelse, hvor vi sammen undersøger, om kunsten kan være drivkraft til at forestille os og forme en bedre fremtid.
Unfolded Futures åbner døren for alle os, der drømmer om en anderledes fremtid – fra kunst- og kulturentusiaster til forskere, undervisere, unge, pensionister der vil efterlade en anden type verden samt beslutningstagere, der ønsker nye måder at udvikle på. Det er et projekt for dem, der ønsker at dykke ned i kreative og nytænkende samtaler om, hvad der kan forme verden fremadrettet. Og så handler det om mere end bare idéer – det handler om at skabe rum, hvor håb kan vokse, visioner tage form, og handling sættes i gang.
impromptu er et forskningsprojekt, der eksperimenterer med at introducere stedsspecifikke lydforestillinger i Københavns offentlige rum. Det forbinder disciplinerne lydkomposition, performance og antropologi for at lege med at skabe lyde til offentlige rum, som modsætter sig urban fremmedgørelse og sigter mod at opbygge fællesskab og samhørighed blandt borgere.
impromptu inviterer kunstnere til at opløse afstanden mellem mennesker og byen ved at placere lyd midt i hverdagen. Gennem en omhyggelig men improvisatorisk metode til at introducere – snarere end reducere – lyde, udforsker det, hvordan dette kan føre til "positive" forstyrrelser og spontane handlinger blandt borgerne. Hovedidéen bag impromptu er at bruge lyd til at "rekomponere" områder af København og fremme nye og uventede former for interaktion.
POWER TO STAGE har til formål at udbrede bæredygtige energiløsninger på musikfestivaler og demonstrere de håndgribelige fordele ved at brug af grøn energi, samtidig med at man kan hjælpe med at ændre kulturen omkring brug af generatorer.
Gennem dataindsamling og vidensdeling på tværs af festivaler, leverandører og universiteter har POWER TO STAGE en målsætning om at gøre Danmark til frontløber i bæredygtige energiløsninger til festivaler og events.
Anything Everything er et kreativt fællesskab og agentur, der arbejder i krydsfeltet mellem musik og kultur og det kommercielle. Vi har en kunstnerisk vision om at skabe musik- og kulturoplevelser, hvor der er plads til fordybelse og nærvær. Dette kan eksemplificeres ved vores første projekt ‘Screen Session’, som vi afholder i Empire Bio, hvor lyd og visuelle effekter smelter sammen foran og på det store lærred og samtidig skaber en intim og atmosfærisk koncertoplevelse.
Derudover har vi et kommercielt fokus på at bygge bro mellem virksomheder og organisationer og deres yngre målgruppe. Dette gør vi ved at bruge content fra vores arrangementer til branding. I den digitale levealder ser vi et nyligt opstået behov blandt især den yngre målgruppe for at komme væk fra skærmen og ud og opleve i stedet. Med termer som "ad fatigue", der dækker over en overeksponering for trivielle reklamer, især på sociale medier, tilbyder vi derfor et alternativ til dette, hvor der er en gensidig vinding – både for virksomhederne, forbrugerne og kulturindustrien.
Musikbranchen er en af de mest digitaliserede industrier, men alligevel tjener størstedelen af professionelle musikere uden for top 100 næsten ingen penge online. Branchen har selv erklæret det ubæredygtigt, og på EU-niveau er der blevet stemt for at forbedre vilkårene. Med Sleeve vil vi skabe en platform, der gør det nemt og intuitivt for musikere, bands, komponister og artister at engagere sig med deres mest dedikerede lyttere.
Vores platform giver musikere mulighed for at skabe en mere stabil indkomst gennem månedlige abonnementer og direkte salg af eksklusivt indhold. Fordi Sleeve er en platform kun for musik, fjerner vi de tekniske barrierer, så kunstnere kan fokusere på deres musik, samtidig med at de opnår større kontrol over deres økonomi og relation til deres lyttere.
“Genlyd - Forbindelsespraksisser til naturen” er koncert -og lydoplevelser i og med naturen, med et ønske om at bidrage til en dybere forbindelse mellem mennesker og natur og heraf et større psykisk, eksistentielt og sjæleligt velvære, i en tid som kalder på større omsorg for både menneskelige og naturlige ressourcer.
Naturen rummer de samme store kontraster som menneskelivet og kan lære os om balance, fordybelse, nærvær og altings forbindelse - og hjælpe os med at hele og transformere igennem nogle af livets store overgange og kriser.
Manglende fokus på iscenesættelse og fysisk performance kan let skabe en negativ og usammenhængende koncertoplevelse for publikum. Samtidig ønsker flere artister hjælp til at performe og interagere med publikum.
Fra mit perspektiv som sceneinstruktør og cand.mag. I teater- og performancestudier opstår problemet bl.a. fordi der i koncertproduktioner ikke er en instruktørlignende rolle med ansvar for at instruere artisterne og udvikle et sammenhængende udtryk, der skaber den ønskede publikumsoplevelse.
Med afsæt i teaterfaglige metoder har jeg derfor udviklet en fleksibel, dialogisk og feedbackbaseret iscenesættelsesmetode til at skabe sammenhængende koncertoplevelser.
ALSIDIG udspringer af et ønske om at skabe en verden, hvor alle, uanset fysiske evner, kan deltage i den kreative dialog og udtrykke sig kunstnerisk. Vi stræber efter at bygge bro mellem teknologi, musik, design og sundhedsvæsenet for at fremme inklusion og ligestilling. Ved at give personer med funktionsnedsættelser adgang til nye kreative værktøjer, sigter vi mod at skabe et samfund, hvor teknologi demokratiserer adgangen til musikkens verden og åbner for personlig og kunstnerisk udfoldelse for alle.
Ved at kombinere neurologisk forskning med innovation inden for musik og design, udvikler vi et digitalt musikinstrument baseret på brain computer interface (BCI). Dette gør det muligt for personer uden brug af hænder at spille musik ved hjælp af hjernebølger, så de kan udtrykke sig gennem tankens kraft alene.
Connected Songs er en række musikalske performances, der undersøger relationen mellem os og natur. Mennesket er et relationsdyr. Vores overlevelse har indtil videre være betinget af vores evne til at skabe relationer. Men vores fodaftryk skaber problemer for os selv, andre arter og for vores fælles hjem. Relationen til os selv som natur og til det store fællesskab, vi er en del af, skal heles.
Projektet vil udfolde og udforske relationen mellem os og natur gennem musik, lyd og særligt sangen. Sang er kommunikation, og et af sangens fineste potentialer er, at den kan skabe kontakt til de lyttende, følende og intuitive sider af os. Sider, vi har brug for til at overkomme de udfordringer og kriser vi står over for.
Carrie’s Going Out er en selvorganiseret, aktivistisk event- og kulturplatform, der arbejder tværæstetisk og antikapitalistisk for en mere inkluderende, omsorgsfuld og bæredygtig fremtid for musik - og kulturbranchen. Vores arbejde er interdisciplinært med afsæt i samarbejde og fællesskab. Vi vil sætte et præg på kulturen og samfundet omkring os og inspirere til endnu flere unge initiativer og samarbejder. Vi tror på, at kunst og kultur skaber forandring! En forandring, som vi kan bruge til at udligne hierarkiske strukturer og isolerende, ekskluderende og undertrykkende systemer i samfundet.
Til et Carrie’s Going Out-event er der plads til det tunge og det svære, men også til drømmene og håbet for en lysere fremtid. Vores events vil som oftest søge at bringe nogle problemstillinger i spil, der kan have med identitetsskabelse, klimakrise, fællesskab, sorg, diverse kærlighedsrelationer og meget andet at gøre. Det er ikke altid eventet skal være løsningsorienteret. Forhåbningen for Carrie’s Going Out er, at gæsterne går fra et event med ny energi og et gåpåmod, der kan være indadvendt, udadvendt eller noget helt tredje.
Synergy Booking er en dynamisk platform, der uddanner musikere og de professionelle omkring dem, såsom managers, bookere og agenter. Gennem workshopserien "Opbygning af Musikkarrierer" hjælper vi unge musikere og professionelle med at navigere i musikbranchen og udvikle de nødvendige færdigheder bag kulisserne.
Vores workshops fokuserer på alt, der foregår bag scenen – fra management og booking til ledelse, samarbejde og fondsøgning. Du bliver en del af et engageret fællesskab, hvor du sparrer med andre og lærer af eksperter, samtidig med at du arbejder på dine egne musikprojekter.
Workshoppen ruster dig til at navigere i branchen, lede dit team, forhandle med branchefolk og guide andre gennem deres karriereudvikling. Serien fortsætter med to workshops til vinteren 2024, som bygger videre på kerneemnerne med målet om at blive en etableret del af branchen året rundt.
Marmelade Culure er et musikkollektiv med fokus på at skabe kunstneriske offline-fællesskaber og fora der, hvor det mangler. Eksempelvis afholder gruppen månedligt arrangementer med det formål at skabe et offline-fællesskab for elektroniske musikere i Danmark på lige fod med det, vi kender fra den blomstrende sangskriver- og jazzscene. Det være sig gennem koncerter, open mics, jams, workshops etc.
Til vores arrangementer er værdier som fællesskab, inklusion, tryghed og nysgerrighed i højsædet, og vi lægger vægt på at skabe et rum, hvor mennesket er i fokus først og fremmest, samtidig med at der er plads til at tage arbejdet med kunst alvorligt. Vi ønsker at samle og optimere samt blande de fællesskaber, som allerede findes på kryds og tværs af de forskellige medier, og vi tror på, at dette er en af de bedste måder at få noget nyt til at opstå kunstnerisk.
Det Åbne Ensemble består af en række af samspils-workshops, med et kurateret ensemble af instrumenter og et lampe-direktionssystem. Foran hvert instrument er en lampe, der styres fra en lyspult. Når personen bag lyspulten tænder lampen, skal personen med det instrument, den står foran, spille. Når den slukkes, skal de stoppe.
Der kræves ingen musikalsk eller instrumental erfaring for at deltage, og formålet med workshoppen er ikke at lære at spille på instrumenter i traditionel forstand, men derimod kollektivt at skabe et rum, hvor man som deltager er med til forme et musikalsk sprog og udforske nye måder at udtrykke sig på.
BIHAV er et karriereudviklingsforløb, som ønsker at bryde musikbranchens ungdomsnormer og give artister over 30 år muligheder på lige fod med de yngre. Hovedmålet er at skabe en mere mentalt bæredygtig og sund musikbranche, hvor evner og talent - uanset alder - altid er det centrale.
En branche med et større aldersspænd vil give længere karrierer og udbyde flere muligheder for utallige musikere samt mindske presset på musikere om, at man skal have ”made it” før man er fyldt 30.
Spoilr (fka Spoiler Room) handler om at give plads til det uperfekte og i fællesskab udforske skabelsesprocessen. Vores etos er, at musik og performance skabes i kulminationen mellem kunstner og publikum. Det er i mødet, at vi mærker hvad der fungerer i sangene og hvor vi opdager, hvordan en bestemt idé, vi har leget med, fungerer i praksis. Det er dér, vi får feedback fra omverden. Her kan den musik, der aldrig forlod computeren på værelset, øveren i en bunker eller brusebadet deles. Og de idéer, du troede havde mistet gnisten, kan genopleves på en helt ny måde. For at gøre dette på en socialt bæredygtig måde har vi fokuseret på at afholde Spoilr kontinuerligt og med forskellige co-hosts (medværter), som hver gang bidrager med folk fra deres netværk og omgangskreds.
When talking about breaking conventions and forging one's own path, Signe Hede-Tobiassen is a shining example of how creativity and thinking outside the box open doors to a livelihood in the world of music. She started as a bassist and songwriter in Nelson Can and has since worked as a manager, at record labels, and as a radio host. Signe is educated at RMC and CBS, and she has always followed her creative instincts with "meaningful work life" as the focal point for herself and the artists she has advised. Today, Signe works as the director of More Music Group, which provides digital solutions for music education.
Olav Hesseldahl is an idealistic entrepreneur deeply committed to promoting the values of democracy. He is the driving force behind initiatives such as Ungdomsbureauet and Ungdommens Folkemøde, which attract and engage up to 30,000 young people in Valbyparken each year. Trained as a philosopher, he loves questions more than answers, embraces mistakes and experiments, and has the ability to push and challenge his surroundings to new insights. He holds board positions at the Roskilde Festival and Folkemødet on Bornholm, and he currently leads the movement GRUNDLOVSFESTEN, which works to foster more community, cohesion, and dedication to democracy and the Constitution.
INTERⱯCTIVE er en 360° interaktiv musikoplevelse. Vi skaber en unik audiovisuel oplevelse, hvor vores fokus er på at give musikere chancen for at materialisere deres musik i fysiske rammer, og på at give gæsterne muligheden for at dykke ind i det kreative univers, der opstår i musikskabelsen.
Vi kan sammenlignes med en kunstudstilling, hvor audioguiden er kunstneren musik, og udstillingen er kunstnerens univers, tanker og følelser. På den måde for den besøgende et mere intimt forhold til kunstneren og skabelsen bag en single, ep eller et helt album.
Vi tror på, at i dagens digitale æra, hvor skærmtid dominerer, ønsker folk i højere grad en dybere forbindelse til kultur og kunst uden for skærmen. Ved at bringe musikvideoen til live i fysiske rammer åbner vi døren til en unik og sanselig oplevelse.
Anja T. Lahrmann is a composer, producer, and singer who gracefully navigates between art forms. She operates under the solo alias Excelsior, and as a composer, she has recently collaborated on the hybrid choral work 'Det yderste hav' with the Greenlandic choir, Ingiulik. She has also created sound design and music for the performance 'Hjärtat i handen' in collaboration with two choreographers. Anja T. Lahrmann's artistic practice spans widely and unfolds through unique collaborations across cultures and artistic disciplines. Her musical approach is characterized by openness, DIY ethos, and collectivism, reflecting a curious and collaborative mindset that transcends boundaries between art forms and genres.
In her practice as a photographer and artist, Fryd Frydendahl excels at challenging herself and societal taboos with her razor-sharp artworks. Her photographs convey more than meets the eye, and she manages to be personal without becoming overly private. Fryd's work and exhibitions have reached far and wide: from New York to Copenhagen to Hvide Sande, and her pieces can be experienced at venues such as the Statens Museum for Kunst, Det Kongelige Bibliotek, and V1. She has published several books and also serves as the director of Fotoskolen Fatamorgana.
RO PÅ! er et sangskriver-retreat med fokus på mental sundhed og bæredygtig karriereudvikling.
Visionen er at skabe et rum for ambitiøse musikere, der arbejder målrettet med deres projekter, men som mangler brugbare og konkrete redskaber til ikke at brænde ud, i en konkurrencestærk og benhård musikbranche.
Rapporten ‘When Music Speaks’ (2023) belyser et problem med musikeres mentale helbred. Blandt de 1.800 danske musikere i undersøgelsen betegnes 17 procent som ulykkelige, 24 procent mistrives, og næsten halvdelen har et unormalt højt niveau af angst.
Med dette som afsæt, faciliterer RO PÅ! et rum, hvor mentalt sunde måder at drive kunstnerisk virke på er på dagsordenen. 10 musikere samles på et 5-dages ophold på Bimosegård Refugium. I smukke og rolige omgivelser gennemgår de workshops, sparringssessions og terapi. Programmet omfatter workshops om forståelse af sin kreativitet, psykisk stabilitet i det musiske virke, og om implementering af mindfulness i ens arbejde. Der vil være daglige guidede meditationer, samt individuel kropsterapi og karrieresparring.
Facilitatornes baggrund omfatter stressterapeutisk lægefaglighed, psykologpraksis, professionelt artistvirke, music management og energi- og kropsterapi. RO PÅ! Udvikles af Mathilde Bjerring Eriksen, i samarbejde med Stresslæge.dk, Bimosegård Refugium, SOSO Agency, Nefarious Entertainment, Queer Music Agency, og DMF Hovedstaden.
We encounter Majken Overgaard in the intersection of art, science, and technology, where her keen eye identifies new connections and synergies, creating a creative environment of fresh ideas, experiments, and inventions. She possesses a curious and innovative approach to innovation through contemporary art, speculative design, and science fiction. As part of the collective Korridor, she explores digital artistic practices and technologies that can expand the possibilities for artists and culture. Additionally, she is a frequently sought-after speaker, adept at dissecting how art can serve as a critical lens for understanding the rapidly changing digital reality.
As a member of and manager for Efterklang, a band that has been releasing albums on labels such as 4AD and City Slang since 2003, Rasmus Stolberg has carved out a sustainable livelihood in the music industry without compromising on ideals. Originally trained in Music Management from RMC, and with an inspiring ability to launch new ideas and projects – such as The Lake Foundation, which operates the internet radio station The Lake, and Badesøen Festival in Albertslund. Additionally, Rasmus is a producer and curator for Brodie Sessions, which creates and immortalizes (on 16mm film) intimate concerts with Danish and international artists.
As the founder and executive director of the award-winning non-profit organization Another Life, which focuses on representation, mental health, and discrimination, Rosa Lois Balle Yahiya has made a significant impact on the Danish music and cultural scene. Over the past decade, Rosa Lois has worked in various roles in the Danish music industry, including the live sector, interest organizations, and artist management. She is also a graduate of Music Management from the Rhythmic Music Conservatory in Copenhagen.
Musikeren Søren Michelsen arbejder på podcasten 'Freelancer', der har til formål at starte en kritisk samtale om arbejdslivet i freelance-tilværelsen og hyper-prekariatet. Søren ønsker at skabe en podcast, der kan fungere som vidensbank, inspiration og læring. Gennem erfaringsudveksling, personlige historier og interviews, vil han stille skarpt på nogle af de udfordringer freelancere står overfor i dag, og samtidig belyse den værdi de bidrager med til samfundet. Hvad driver dem? Hvorfor vælger de denne levevej? Hvordan skruer de deres arbejdsliv sammen?
Musik fremkalder ofte en følelse af magi i menneskers oplevelser. Bag denne 'magi' ligger videnskabeligt dokumenterede effekter på menneskelig udvikling, herunder neurologiske, kognitive og sociale aspekter.
Music No Magic’s udnytter musikkens fulde potentiale og gør en forskel for, hvordan professionelle mennesker udvikles. Det sker ved at inddrage de menneskelige aspekter med henblik på at skabe positiv forandring på arbejdsmarkedet og i samfundet generelt.
Music No Magiv arbejder med at bevidstgøre ressourcer og kompetencer, og bruger musik, herunder musikterapi, til at skabe resonans med individets dybeste følelser, og gennem refleksionsprocessen jonglerer vi mellem det ubevidste og bevidste. Forløbet hjælper med at skabe indsigt i egne kognitive processer og erhverve redskaber til håndtering af arbejdsprocesser på en mere hensigtsmæssig måde.
Hvor går du hen, når du gerne vil have en fod indenfor i kulturbranchen. Mange ender med at føle at de famler i blinde eller at de måske ikke helt er med i klubben, når de skal finde rundt i den kompetitive kulturbranche.
Med netværket vil jeg prøve at skabe et fællesskab for kunstnere og kulturskabere på tværs af udtryksformer, for at skabe et bedre fundament for den enkeltes karriere. Netværket er baseret på tanken: ”Vi løfter bedre i flok og vi rykker os længere, hvis vi befinder os i et miljø med andre som også er i bevægelse.”
I netværket vil man kunne finde andre som drømmer om en fuldtidskarriere inden for kultursektoren. Fællesskabet giver dermed en unik adgang til et netværk i det nære vækstlag, men samtidig skaber det også en vidensbank, hvor man kan sparre, lære og dele kompetencer med hinanden.